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A Carrack Ship por Bruegel

A Carrack Ship por Bruegel



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Carrack

Autoria de: JR Potts, AUS 173d AB | Última edição: 02/05/2019 | Conteúdo e cópiawww.MilitaryFactory.com | O texto a seguir é exclusivo deste site.

No século 15, os europeus ocidentais aventuraram-se constantemente nas águas do Atlântico para conquistas empíricas e comércio econômico. Como tal, as várias empresas envolvidas precisavam de um navio muito confiável para enfrentar a vastidão do mar e suas tempestades inerentemente poderosas, enquanto, ao mesmo tempo, mantinha carga suficiente para tornar a viagem lucrativa. A classe "Carrack" de cargueiro, para sua época, era um projeto de última geração feito em tamanhos cada vez mais diferentes de construtores navais sediados na Espanha, Portugal, França e outras nações com litoral.

Apesar de seus portos de origem diferentes, essas embarcações compartilhavam algumas características que eram bastante padronizadas em seus projetos. Seus perfis eram caracterizados pelo uso de três ou quatro mastros velejados. O mastro mais adiantado (conhecido simplesmente como "mastro frontal") ostentava uma vela quadrada montada em mastros horizontais de madeira perpendiculares à quilha do navio. O "Mastro Principal" estava localizado na meia-nau e era o maior mastro adequado, normalmente usando uma vela de cordame quadrado. O mastro mais à ré era conhecido como "Mastro Mizzen" e era conhecido por ser geralmente mais curto do que o Principal. A vela no Mizzen Mast era uma plataforma latina triangular colocada em uma longa longarina chamada "jarda" e seria montada em um ângulo no mastro. Todos esses navios tinham um gurupés grande com uma vela também.

O navio de superfície tinha um grande castelo de popa com um castelo de proa ligeiramente menor. O castelo de popa era utilizado como leme e plataforma para atacar outros navios durante as ações de embarque com o uso de mosquetes e pequenos canhões. O castelo de proa era usado para defesa e tornava a navegação um pouco difícil. A popa era arredondada e o convés principal era grande para suportar uma grande tripulação e armamento de canhão apropriado. Tal arranjo tornou o Carrack um pouco pesado, mas, como mencionado, ele foi construído principalmente para longas viagens no mar e não em combate naval. Os aposentos abaixo estavam supostamente apertados, já que grande parte do casco era dedicado ao armazenamento de suprimentos e qualquer carga presente.

O convés principal era grande para acomodar a tripulação igualmente expansiva, com cerca de cinquenta homens e, às vezes, canhões. O feixe largo medido em 25 pés e seu comprimento era de aproximadamente 75 pés. Essas medidas estavam relacionadas aos conceitos de design da época e seu propósito de ser um navio de longo alcance. Os navios de guerra à vela e os navios de carga do futuro acabariam por reduzir a largura do feixe em comparação com o comprimento do navio, em um esforço para agilizar o navio com o propósito de aumentar a velocidade.

O Carrack provou ser um projeto popular durante seu reinado na história naval. Ela foi a base de várias viagens longas notáveis ​​que mudaram o curso da história em várias ocasiões. Esses famosos Carracks incluíam aqueles usados ​​pelo explorador Cristóvão Colombo em 1492. Curiosamente, ele foi notado como não gostando do navio, chamando o Santa Maria de "vaca" por causa de sua dificuldade de direção e navegação geral. O explorador Ferdinand Magellan também usou um navio da classe Carrack ao circunavegar o globo em 1519, provando que o design era confiável para a longa jornada.

Tamanho era o valor dos Carracks que eles foram construídos e navegados no século XVI antes de serem substituídos por tipos de navios de longo alcance melhorados.


O galeão português "Frol de la Mar". Gravura no "Roteiro de Malaca" (século XVI).

O Carrack ou Nao (que significa navio) foi desenvolvido como uma fusão entre navios de estilo mediterrâneo e do norte da Europa. A carraca apareceu pela primeira vez, acreditam os historiadores, no final do século XIII e no início do século XIV. Os espanhóis e portugueses desenvolveram um tipo particular de navio para o comércio no Mar Mediterrâneo e no Atlântico Norte. O casco era arredondado na popa e carregava uma superestrutura de popa e castelo de proa. Esses navios carregavam dois, três ou quatro mastros e uma combinação de velas quadradas e latinas era usada. O mastro principal sempre carregava uma vela quadrada, enquanto o mastro da mezena carregava uma vela latina. A vela quadrada foi usada para velocidade e a plataforma latina permitiu a manobrabilidade.

Por volta de 1420, uma vela superior foi adicionada ao mastro principal (quadrado) e a vela de proa em um navio de três ou quatro mastros também era quadrada. A carraca tinha um casco largo e profundo que permitia o transporte de cargas a granel. O menor seria de 300 a 400 toneladas e o maior de 1.000 a 2.000 toneladas. Parte da carga incluía Alum (usado para corrigir a tintura) e woad (uma tintura azul) de Gênova para a Inglaterra, e lã crua e tecido de lã de volta para Gênova. Os portugueses adotaram a nau para transportar mercadorias para a África, Índia e as ilhas das especiarias.

Havia um castelo na proa e na popa na nau. O castelo de proa era sempre mais alto que o castelo de popa. A nau, com sua configuração de vela, era mais barata para ser tripulada como navio mercante. Esses se tornaram os navios favoritos dos exploradores oceânicos. Eles eram mais estáveis ​​em mar aberto e podiam transportar homens e alimentos suficientes para serem um navio de exploração.

Detalhe de Carrack de “A) Galion, B) Fregate, C) Caraque, D) Flute ou Pinque, E) Est un Beulot ou Bâtiment,” Description de L'Univers, 1683, From The Library at The Mariners 'Museum, G114 .M25 raro. “Victoria, circa 1510, Spanish Carrack,” Greg McKay, Modelmaker, The Mariners ’Museum (1991.52).

A idade da descoberta (1400-1550)

  • pequenos navios para exploração: caravelas
    • um calado raso para mapear águas desconhecidas
    • capacidade de navegar para barlavento (velas latinas)
    • pequena tripulação
    • espaço de carga para viagens de até um ano
    • plataformas altas na frente e atrás das quais atirar nos oponentes
    • armado com canhões
    • velas quadradas para mais área de vela
    • grande carga útil

    Caravela

    Em 1492, os Colombus usavam 2 caravelas, a Nina e a Pinta, e uma nau maior, a Santa Maria, como sua nau capitânia [Mais].

    Carrack

    Grandes carracas tinham amplo espaço para grandes tripulações, provisões e carga necessária para o comércio das Índias Orientais. Seu tamanho e estabilidade permitiam a montagem de canhões.

    Réplica Victoria de Magalhães

    As carracks também foram usadas por Vasco da Gama para a primeira viagem bem-sucedida à Índia ao redor do Cabo da Boa Esperança. Em 1498, de Gama deixou Portugal com 170 homens, 3 naus e uma caravela regressou 22 meses depois com apenas 2 navios e 55 homens. Ele navegou 24.000 milhas e passou 300 dias no mar [História da BBC]. Pelos próximos 100 anos, os portugueses controlaram o comércio das Índias Orientais, enviando uma frota para a Índia quase todos os anos, programada para coincidir com as monções. Para mais detalhes, consulte nossa página de histórico.

    Carracks para exploração como o Santa maria ou de Gama San gabriel eram pequenos, cerca de 90 toneladas, mas os navios mercantes tinham uma média de 250-500 toneladas com uma tripulação de 40-80 e alguns navios de guerra iam até 1000 toneladas. A velocidade média era de cerca de 80 milhas / dia e a viagem para a Índia levava de 6 a 8 meses em cada sentido.

    Naufrágio de um comerciante Nao

    Dentro de um navio

      , J.R. Steffy, Ship Lab, Center for Maritime Archaeology, A. Wells, Texas A&M, A. Wells Dissertação de mestrado (arquivo PDF de 5 MB)

    Imagens do produto de 'Uma carraca antes do vento', de Pieter Brueghel, o Velho


    Obras de arte de Pieter Bruegel, o Velho

    Uma das pinturas mais conhecidas de Bruegel, Paisagem com a Queda de Ícaro incorpora uma paisagem em primeiro plano com uma paisagem marinha expansiva que se estende em direção ao horizonte. Mais perto de nós, um fazendeiro empurra um arado e um cavalo. À sua direita, em um planalto de terra mais baixo, um pastor cuida de seu rebanho. Em primeiro plano à direita, um pescador de costas para o espectador lança sua rede na beira da água, enquanto próximo à costa, no canto inferior direito, duas pernas chutam no ar: uma referência comicamente minuciosa à narrativa titular, que portanto parece se desdobrar no fundo da cena.

    Esta é uma das duas pinturas de Bruegel, que retratam a história de Ícaro contada na obra de Ovídio Metamorfoses. Essas foram as duas únicas obras que Bruegel criou sobre temas mitológicos, em marcante contraste com o foco de seus contemporâneos em narrativas heróicas. A história gira em torno da morte de Ícaro, o menino que queria tanto voar que construiu asas de cera e penas. Deixando de dar ouvidos ao aviso de seu pai para não voar muito perto do sol, suas asas derreteram e ele mergulhou no mar. Poderíamos esperar que esse trágico desfecho fosse formar o ponto focal da pintura de Bruegel, mas, em vez disso, torna-se um incidente tecido em uma representação abrangente da vida rural comum, a morte do herói tornada quase risível em sua ignomínia de primeira. A composição é irreverente e sutilmente filosoficamente ressonante, expressando um claro ceticismo pela pintura mitológica bombástica que dominou o século anterior de arte renascentista.

    Este trabalho tem sido objeto de muita especulação moral, girando especialmente em torno das várias figuras que permanecem ignorantes da situação de Ícaro, apenas o pastor olhando para o céu, e nem mesmo para o local relevante. O deslocamento de Ícaro do palco foi interpretado como uma diretriz para manter o foco na própria vida diária. William Dello Russo chegou a sugerir que a pintura pode ilustrar uma expressão holandesa bem conhecida, "não se fica o arado para quem está morrendo". Paisagem com a Queda de Ícaro recebeu seu tratamento mais famoso do século XX pelo poeta W.H. Auden, cujo poema Musée des Beaux Arts (1938) considera como o sofrimento e o drama pessoal ocorrem em um contexto mais amplo de vida em curso.

    Óleo sobre tela - Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelas, Bélgica

    A luta entre carnaval e quaresma

    Em uma de suas pinturas mais lúgubres e caóticas, Bruegel nos oferece uma densa representação alegórica dos impulsos concorrentes que sustentam o caráter humano, mostrando os costumes associados a dois festivais intimamente alinhados no calendário do início da era moderna. À esquerda, a figura do carnaval domina: um homem gordo montado em um barril de cerveja com uma costeleta de porco pregada na frente, assando um porco no espeto e usando uma torta de carne como capacete. Ele preside uma cena povoada por bufões, foliões, músicos, ladrões e mendigos. À direita, a figura esquelética da Quaresma, no hábito de uma freira, estende uma travessa de peixes, em desafio às suas oferendas mais ricas. Atrás dela, figuras encapuzadas emergem da arcada de uma igreja, na qual as obras de arte são envoltas no costume da época de abstinência. Do outro lado da tela, a taverna oferece um cenário equivalente, representando os pecados e prazeres da carne.

    A complexa representação simbólica de Bruegel de estados contrastantes de pecado e piedade, prazer e dor, julgamento e redenção, encontra seu precedente mais óbvio na obra de um mestre holandês mais velho, Hieronymus Bosch. Em seu tríptico proto-surrealista O Jardim das Delícias Terrenas (c.1495-1505) Bosch oferece uma sequência de paisagens povoadas por figuras em estados relativos de graça e perdição. O que é notável, no entanto, é a falta de qualquer subtexto sobrenatural implícito na cena de Bruegel: onde Bosch nos mostra as terríveis consequências do erro humano, Bruegel apresenta o espírito do carnaval como uma força de rebelião e subversão, sem aparentemente oferecer qualquer julgamento positivo também caminho.

    A batalha entre o Carnaval e a Quaresma representou em parte uma luta contemporânea que se desenrolava no país natal de Bruegel. Em 1556, os Países Baixos, de posse da imensamente poderosa dinastia Habpburg, passaram para o rei Filipe II da Espanha, que buscou submetê-la a uma forma mais direta e estrita de governo católico. Ao mesmo tempo, os países holandeses estavam próximos do centro do movimento de Reforma em desenvolvimento, que via as festividades católicas como a Quaresma com profunda suspeita. A energia carnavalesca do lado esquerdo da pintura representa não tanto o espírito emergente do protestantismo - que tendia a ser mais repressivo do calendário festivo tradicional do que o catolicismo - mas pelos obstinados costumes pagãos e caráter rebelde de uma cultura oprimida .

    Óleo no painel - Museu Kunsthistorisches, Viena

    Os provérbios holandeses

    Esta pintura mostra o domínio de Bruegel na composição complexa, muitas vezes baseada em fortes linhas diagonais, trazendo coesão geral a um grande número de pontos focais que se cruzam. No Os provérbios holandeses, um cenário de aldeia é escolhido como o local para uma variedade de rituais excêntricos e supersticiosos.

    As ações realizadas pelos moradores representam aproximadamente 120 provérbios holandeses diferentes, todos relacionados às esquisitices do comportamento humano. No primeiro plano à esquerda, um homem bate a cabeça contra uma parede de tijolos, representando a tendência de um tolo de continuar tentando o impossível à direita, uma figura se inclina perturbada sobre uma panela de mingau derramado, lembrando ao observador que ações concluídas não podem ser desfeitas. Bruegel é conhecido por suas composições ocupadas, envolvendo muitos grupos de figuras engajadas em pequenas interações. Essas composições individuais, por sua vez, estabelecem um tema geral, muitas vezes satírico ou didático, uma abordagem composicional que teve um impacto profundo na história da arte. A influência dos tableaux alegóricos de Bruegel pode ser sentida, por exemplo, na obra do simbolista e expressionista holandês James Ensor, que usa um estilo de composição semelhante em A entrada de Cristo em Bruxelas (1888) e Os Banhos em Ostend (1890).

    A importância de Bruegel como um precursor da arte moderna reside não apenas em sua ruptura com as perspectivas do ponto de fuga ordenado e arranjos figurativos cuidadosamente administrados da Renascença italiana, mas também com o estilo moral idealizado e o tema grandioso que essas características implicavam. Ao retratar as fraquezas da vida humana cotidiana, Bruegel expandiu a gama de temas disponíveis para o pintor renascentista com sagacidade característica e irreverente.

    Óleo sobre madeira - Gemäldegalerie, Berlim, Alemanha

    A torre de babel

    Uma vasta torre parcialmente construída domina a extraordinária obra de Bruegel de 1563 A torre de babel. Ao redor da estrutura há uma paisagem pontilhada de pequenas figuras, algumas das quais marcham em procissão em torno de suas histórias curvas, enquanto outras trabalham nos andaimes ao longo de suas laterais. À direita, os navios descarregam materiais de construção em todos os aspectos dos detalhes, a pintura é minuciosa e naturalisticamente precisa.

    Esta é uma das três pinturas que Bruegel criou em torno do conto bíblico da Torre de Babel. Ao fazer isso, ele escolheu uma história com a intenção de fornecer uma diretriz moral em torno dos perigos da ambição excessiva. Na narrativa original do Livro do Gênesis, Deus impede o Rei Nimrod de construir uma torre projetada para alcançar as alturas do céu, amaldiçoando os construtores para que eles sejam incapazes de se comunicar na mesma língua. Nesta pintura, Nimrod é apresentado em primeiro plano discutindo seu projeto com uma comitiva de cortesãos bajuladores, enquanto sujeitos debilitados rastejam em torno de seus pés. A estrutura por trás dele é, em parte, destinada a ser uma reminiscência de um anfiteatro romano, sendo o Império Romano um símbolo da arrogância da ambição humana na época de Bruegel.

    Como acontece com grande parte da obra de Bruegel, a mensagem moral também tem uma ressonância contemporânea. Vivendo em uma época em que o continente europeu estava sendo devastado por facções religiosas rivais - de um lado, os impérios católicos do sul, do outro as culturas protestantes dissidentes do norte - a história de uma sociedade religiosa monoglota, outrora moralmente unida, em fratura em agrupamentos rivais era pertinente, especialmente porque uma das causas fundamentais do protestantismo foi a tradução da Bíblia para a escrita moderna. Bruegel simpatizava com a cultura protestante de seu país natal e com outra versão da pintura, A pequena torre de Babel"(c. 1568) fornece uma crítica direta da pompa cerimonial católica. Em uma das rampas que se estendem para cima da torre, um grupo de figuras marcha sob uma linha de dosséis vermelhos, geralmente entendidos como uma referência velada aos costumes dos católicos igreja, em cujo nome o duque de Alba estava subjugando brutalmente a pátria de Bruegel durante os anos 1550-60.

    Óleo no painel - Museu Kunsthistorisches, Viena

    Os caçadores na neve

    Em uma paisagem coberta de neve, três caçadores conduzem seus cães por uma vila pitoresca e extensa. Vivas silhuetas de árvores de inverno dominam o lado esquerdo da composição e, junto com a direção do movimento dos caçadores, conduzem o olhar para a movimentada cena no centro, uma alegre reunião de pessoas em um rio congelado. Ao fundo, edifícios e montanhas cobertas de neve se distanciam sob um céu azul acinzentado de inverno.

    Parte de uma série de pinturas que Bruegel criou para retratar diferentes estações do ano, esta obra demonstra sua aptidão única para capturar o espírito do mundo natural. William Dello Russo descreve Os caçadores na neve como "uma das obras mais amadas de Bruegel", e "sem dúvida a imagem mais conhecida do inverno na arte ocidental [.] Nunca antes um pintor conseguiu criar uma representação tão convincente da frieza, do silêncio e do torpor da paisagem de inverno. " A abordagem de Bruegel vai muito além das técnicas de pintura de paisagem características de sua época, oferecendo composições complexas que contam com harmonias de cores para transmitir o clima da cena e da estação. Rose-Marie e Rainer Hagen sugerem que "a imagem é dominada por duas cores 'frias', o branco da neve e o verde claro do céu e do gelo. Todos os seres vivos são escuros. Isso está em contradição com as associações de cores habituais conectado com estar vivo, e aumenta as impressões de miséria e privação. " No entanto, o número de pessoas na pintura, e seu estado de atividade intensa, sugere vivacidade e coletividade em meio à paisagem congelada, indicando uma comunidade não dominada por seu entorno, mas fazendo suas vidas nele.

    No início de sua carreira, Bruegel atraiu a influência do paisagista flamengo Joachim Patinir, que também criou pinturas que parecem recuar telescopicamente para longe do olho. Expandindo o estilo de Patinir, o foco de Bruegel na paisagem como um tema autossuficiente teve um impacto profundo no desenvolvimento da arte moderna, incluindo a pintura de paisagens dos movimentos romântico e naturalista. O estilo de perspectiva exagerada de obras como Caçadores na neve, enquanto isso, prefigura todas as pinturas de paisagens subsequentes nas quais a perspectiva tridimensional pós-renascentista convencional é evitada.

    Óleo sobre madeira - Museu Kunsthistorisches, Viena, Áustria

    A dança do casamento

    A cena de casamento camponês que afirma a vida de Bruegel está repleta de foliões felizes e embriagados. Ao fundo, uma mesa é posta com comida, enquanto os convidados do casamento dançam, bebem e se beijam, formando um círculo rebelde que preenche o espaço central da composição. Uma figura à direita, em pé na frente de uma árvore com um chapéu preto e xale laranja, parece desligada da cena mesmo quando integrada na espiral alegre, seu comportamento de reflexão silenciosa levando alguns críticos a postular que este é um autorretrato do próprio artista.

    Esta pintura é uma das muitas criadas por Bruegel que mostra os camponeses em cenas de lazer e celebração. O pensamento predominante entre os artistas da Renascença era que apenas a religião, a mitologia e a vida dos grandes homens eram temas adequados para a pintura. De acordo com Rose-Marie e Rainer Hagen, "nenhum pintor antes [de Bruegel] ousou produzir tais obras. A arte contemporânea geralmente considerava os camponeses como figuras de zombaria, considerando-os estúpidos, glutões, bêbados e sujeitos à violência".

    Além de tornar essas figuras glutonas e voláteis dignas de representação artística, a decisão de Bruegel de se concentrar em cenas e aspectos da vida camponesa também chamou a atenção para a sorte do trabalhador e da mulher, talvez pela primeira vez na história da arte. O mesmo motivo se tornaria mais evidente no trabalho de artistas modernos inspirados em seu exemplo, incluindo pintores da escola realista francesa, como Gustave Courbet e Honoré Daumier, que usaram suas pinturas para fazer declarações politicamente subversivas sobre as condições de vida e de trabalho dos pobre.

    Óleo sobre madeira - Institute of Arts, Detroit, Michigan

    A conversão de Paulo

    Uma paisagem de floresta montanhosa domina a pintura de Bruegel A conversão de Paulo. Movendo-se em uma varredura diagonal do primeiro plano central para o fundo direito, uma multidão de pessoas, incluindo vários soldados em armaduras, aglomeram-se em uma lacuna na face rochosa. No fundo esquerdo, atrás da crista da montanha, um corpo de água calmo se estende.

    Embora este trabalho esteja nominalmente focado na história bíblica da conversão de São Paulo na estrada para Damasco, Bruegel radicalmente se afastou das abordagens pictóricas convencionais da narrativa religiosa ao fazer da paisagem e da massa de humanidade que a povoava o tema central da obra . É preciso olhar de perto entre as figuras que percorrem o caminho da montanha para distinguir o convertido lançado de seu cavalo, deitado no chão enquanto Deus o deixa cego. Na verdade, sem a sugestão interpretativa fornecida pelo título, pode-se deixar de reconhecer o que está acontecendo. Tal como acontece com suas paisagens de 'Ícaro', Bruegel diminui ainda mais a importância da narrativa central ao definir a cena em um contexto contemporâneo, usando a paisagem de seu país de origem como pano de fundo, sugerindo uma atitude irreverente e apropriada para seu material-fonte.

    Esta pintura também faz uma declaração política sutil. Entre todas as figuras representadas, o olhar do espectador é atraído para um homem vestido de preto, cavalgando um cavalo branco de costas para o espectador. Muitos acreditam que essa figura seja baseada no duque de Alba, responsável pela perseguição de muitos protestantes em Bruxelas durante a vida de Bruegel, como parte de uma cruzada espanhola para colocar os Países Baixos sob um jugo católico mais rígido. Rose-Marie e Rainer Hagen chegam a sugerir que a pintura pode ter a intenção de invocar uma conversão semelhante de Alba como venceu Paul, pondo fim à sua campanha assassina. Quer essa mensagem precisa possa ser inferida ou não, a obra certamente indica até que ponto Bruegel estava disposto a usar sua arte para refletir sobre as estruturas de poder político e religioso de sua época.

    Óleo sobre madeira - Museu Kunsthistorisches, Viena, Áustria

    O cego guiando o cego

    Cinco cegos caminham pelo centro desta tela, bengalas nas mãos e braços estendidos desesperadamente para se orientar. O primeiro membro da procissão já caiu e está deitado de costas no chão. O homem diretamente atrás dele está tropeçando, enquanto a curva íngreme do caminho para baixo atrás dele sugere que os quatro que o seguem sofrerão o mesmo destino. Ao fundo, várias características de uma paisagem típica de Bruegel são visíveis: uma torre de igreja, telhados baixos de palha e uma encosta curva e arborizada.

    Embora seu foco nos pobres e necessitados seja típico das preocupações igualitárias de Bruegel, esta pintura é marcada por sua estrutura composicional e ambiente distintos. William Dello Russo destacou que a paleta de cores terrosas representa um afastamento da faixa tonal típica de Bruegel - geralmente envolvendo cores mais brilhantes - assim como seu uso de tinta tempera, que permite uma aparência menos ousada e saturada do que o óleo. No que diz respeito à composição visual, O cego guiando o cego é indiscutivelmente um exemplo muito antigo de pintura de gênero realista, concentrando-se em um pequeno número de figuras humanas envolvidas em atividades cotidianas, em vez de uma das paisagens extensas e densamente povoadas que ocupam outras obras do artista.

    Esta pintura reflete a capacidade de Bruegel de criar obras alegóricas cativantes baseadas na doutrina religiosa e em máximas comuns. A pintura ilustra uma passagem encontrada nos Evangelhos de Mateus e Lucas - "e se um cego guiar outro cego, ambos cairão na vala" - mas a frase teria tido a atualidade de um ditado comum, pois ainda faz, e a curiosa mistura de empatia e divertimento sombrio que a situação dos cegos suscita não precisa de embasamento bíblico. Emana desse mesmo sentido elementar do pathos e do absurdo da experiência humana de que o próprio artista se inspirou. Como escreveu o historiador de arte Max Dvorák em 1928, "a novidade [da pintura] reside no próprio fato de que uma ocorrência tão insignificante com heróis tão insignificantes se torna o foco desta visão do mundo."

    Têmpera sobre tela - Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles, Itália

    A pega na forca

    Uma paisagem de floresta exuberante domina esta obra desde o penúltimo ano da vida de Bruegel. No fundo estão as empenas e telhados de uma aldeia holandesa, enquanto no primeiro plano à esquerda, um grupo de jovens camponeses brinca nos campos, indiferentes à estrutura à sua direita, na qual uma pega solitária se empoleira.

    Bruegel não era um artista abertamente político. Mas este trabalho, gosto A conversão de Paulo, indica sua capacidade de oferecer comentários oblíquos sobre a sociedade contemporânea. A forca teria sido um símbolo reconhecível de opressão durante a campanha espanhola nos Países Baixos, com o destino pendente de muitos agitadores religiosos, que muitas vezes eram expostos por fofocas ou traição de amigos. O passarinho no centro da peça, portanto, assume uma relevância alegórica sombria por meio de uma expressão holandesa comum: "fofocar como uma pega". Ao mesmo tempo, a peça atinge uma nota de desafio, a figura masculina defecando nos arbustos logo em primeiro plano sugerindo a atitude do artista em relação à ocupação espanhola, e lembrando outra expressão comum dos Países Baixos, "cagar no forca ", que significa desafiar a autoridade e a morte.

    Especula-se que o próprio Bruegel pode ter sido vítima de fofocas maliciosas no final de sua vida, embora nenhuma narrativa específica apóie essa teoria. Sabe-se, no entanto, que ele deixou esse trabalho para a esposa, e Karel van Mander argumentou que o gesto foi carregado: "ele estava se referindo pela pega aos mexericos, que ele gostaria que fossem enforcados".


    Tipos de navios à vela

    1) The Carrack

    Este é um navio equipado de forma náutica com três ou quatro mastros, cada um com velas quadradas. Foi muito utilizado entre os séculos 4 e 15 e foi o maior navio da Europa (o The Spanish Carrack pesava mais de 1.000 toneladas). Este navio volumoso foi o navio comercial padrão ao longo dos custos do Báltico, Mediterrâneo e Atlântico em meados do século XVI.

    O Carrack tinha uma forma estranha que tornava difícil navegar perto do vento. Depois de muitos experimentos de engenharia, partes do navio foram arrancadas, dando ao navio uma popa alta e uma proa baixa. O navio foi usado popularmente até o final do século XVIII.

    A versão moderna do Carrack tem um mastro principal com armadura quadrada e o mastro de frente com o mastro Mizzen com armadura de treliça. A popa tem uma forma arredondada e um enorme gurupés, castelo de proa e castelo de popa. Este é um grande navio, construído para transportar cargas pesadas para transportes de longa distância, uma vez que era muito estável mesmo nas piores condições meteorológicas.

    O Exército Britânico também o chamou de “Grande Navio” por causa de seu design de navio altamente funcional.

    2) A escuna

    Este tipo de navio possui dois ou mastros de igual altura. Os mastros permitiam que o navio operasse nas mais difíceis condições de vento. A escuna do século XIX vinha com dois ou três mastros, sendo o da vante mais curto que os outros. A escuna “Thomas W Lawson” tinha sete mastros, com velas e equipamento intercambiáveis.

    A escuna moderna é bastante poderosa e carrega velas armadas das Bermudas. Hoje eles ainda atravessam o Oceano Pacífico, sendo os transatlânticos mais econômicos.

    3) O Clipper

    Este é um derivado da escuna e era popular para viagens globais na metade ao final do século 19. Eles eram populares entre os comerciantes para transportar mercadorias para longas distâncias, porque eram rápidos. Comerciantes britânicos e americanos preferiam esses navios, que vinham de comprimentos indiferentes, mas tinham uma característica em comum. Todos eles tinham uma construção estreita, uma popa saliente, 3 a 5 mastros para velocidade e uma plataforma quadrada.

    Eles cruzaram popularmente as rotas comerciais Califórnia-China. Eles também foram usados ​​para transportar Gold e Tea de volta para a Grã-Bretanha e as Américas. Quando se tratava de corridas, ninguém conseguia superar a velocidade do Clipperin.

    4) O Barquentine

    Este é outro derivado da escuna e também era conhecido pelos nomes de barca de escuna e casca de escuna. Estes foram desmontados para facilitar a operação por uma equipe mais enxuta e equipamento básico. O Barquentine tem três mastros e velas quadradas nos mastros dianteiro e traseiro. O mastro principal tinha as velas do mastro superior e do arpão. Eram leves e pesavam em média 250 a 500 toneladas.

    O Barquentine navegou nas águas do norte da Europa que eram dominadas por ventos de velocidade variável. Eles eram usados ​​popularmente para transportar madeira da Escandinávia e Alemanha para a Inglaterra e as áreas do Báltico.

    5) O navio totalmente equipado

    Durante o século 18 ao 19, o navio Fully Rigged, comumente referido como “Ship” veio com uma plataforma náutica completa com três ou mais mastros em forma de quadrado com velas quadradas. Esses navios exigiam uma tripulação maior por causa de sua construção totalmente equipada.

    No entanto, no final do século 19, esses navios foram desmontados para que pudessem ser manuseados por uma tripulação esguia. Isso ajudou a facilitar o manuseio das velas, durante o período das monções, quando os ventos mudavam de velocidade e direção sem qualquer aviso.

    Os navios também eram conhecidos pelo termo "Fragata", que se referia à natureza totalmente equipada, e eram populares como navios mercantes intercontinentais. A plataforma, o casco, o mastro e os pátios eram feitos de ferro ou aço. Eles têm funções e planos de navegação diferentes quando comparados a outros tipos de navios à vela.

    6) O Hulk

    Um derivado do Carrack, este navio pesava apenas 400 toneladas. Eles foram usados ​​durante o século 18, e ainda mantinham a popa e a proa arredondadas do Carrack. Em termos marítimos, o nome “Hulk” foi dado a navios que estavam desatualizados, desmontados ou não lucrativos para operar.

    Os navios mais antigos com cascos de madeira também seriam desmontados para reduzir o estresse em sua estrutura envelhecida.

    A maior parte da frota Hulk era composta de navios abandonados, despojados, portanto, não podiam continuar a cruzar o Mar Mediterrâneo como navios de carga ou de transporte. Eles são estacionários e mantidos para sua flutuabilidade e foram usados ​​como navios de prisão, jogos de azar e relíquias.

    7) O Brig

    O Brig era um navio de guerra, com um convés de atracação que continha dormitórios para a tripulação de cabine e oficiais da marinha. Ele também tinha áreas de armazenamento, caixa de velas, sala de fogão com painéis de madeira, armas e carronadas. O brigue veio com dois mastros, cada um com velas quadradas e às vezes tinha uma surra no mastro de ré.

    Os navios exigiam uma grande tripulação para operá-los devido à sua natureza de cordame quadrado. Eles seriam trazidos para o porto sem o uso de rebocadores e poderiam manobrar bem em pequenas áreas. They were later used to ferry large cargo on the open seas since they could easily follow the direction of the prevailing winds.

    8) The Brigantine

    These were similar to the Brig as they both had top-gallant sails. They were used by the Royal Navy to scout and monitor enemies on the high seas. They would ply across the trade routes of the Baltics and Northern Europe, all the way from Germany to Scandinavia.

    The mid-size ships had two sails on the-mainmast with a stripped down fully-squared rig. The foremast had square sails and the mainmast had the fore-and-aft mainsail. The ships could be handled by a smaller crew.

    9) The Bark (Barque)

    These should not be confused with the Schooner Bark they were light and weighed between 250 to 750 tons. They had the second tallest structure of all types of ships. They had four masts, each bearing square sails on the fore topmast and fore-and-aft sails on the aft mast.

    These vessels were commonly used by traders to carry extremely high volumes of cargo from Australia to Europe. The cargo mainly consisted of Nitrates and Guano destine for the Western South American coast.

    Fun fact: The oldest sailing ship in the world is a bark. These types of ships were very popular in the period prior to the start of World War II. They were later fitted with steam-dust winches so they could be operated by a small crew.

    10) The Xebec

    These ships came with a lot of features,such as long-prow bulkheads, narrow elongated hulls, and huge lateen yards. The ships also bore one aft-set mizzen mast and three lateen-pillared masts, both raked forward and having a single triangular sail. They were also known as“Zebec”, a name derived from the Arabic word for “Small Ship”.

    They were derived from the galleys and therefore had oars for propulsion. They were very agile and popular with European navies. They soon became notorious as effective anti-piracy raiders,commercial cruisers and formed the bulk of the Mediterranean Navy fleet. One Xebec had the capacity to carry a maximum of 36 guns on its top deck.

    Whether they were propelled using oars or sails, these high-speed vessels were extremely agile. Their shallow draft and lateen rig allowed for a closer pinch to the wind allowing them to flee quickly or turn around and fire a broadside volley quickly.

    After a lot of engineering experiments, the Xebec gave rise to the Polacre-Xebec, which replaced the mizzen mast. The mainmast of the new derivative also had a square rig. These new vessels were light and could not carry a heavy load. They were suited for sailing on light seas.The shallow draft and low free-board made them unsuitable for open seas sailing.

    11) The Fluyt

    The Fluyt has three squared-rigged masts and was a Dutch merchant sailing ship in the 16th to 17th century. It was lightly fortified and had a small stern and extended box-style structure. It was also known as the Fleut or the Fluit, and was a great cargoship since it had a lot of storage space and only required a skeleton crew to operate it.

    The Fluyt was crafted using specialized tools to reduce the costs of production and make them affordable to merchants.

    12) The Cutter

    This was the preferred naval ship during the 18th century. It had one or two masts, a gaff-rigged bowsprit,two or more head sails and a decked sail-craft. It was mainly used to ferry soldiers and government officials, because it was very fast and could outrun any enemy.

    Modern day Cutters have a rugged appearance and bear fore-and-aft rigs. They are tiny and aptly fit into their intended purpose – speed and agility. The British Sailing Club still has open-oared cutters in their fleet of sailing ships.

    13) The Yawl

    This was a Dutch ship, nicknamed “Dandy” or“Jol” in Dutch. They bore two fully-equipped masts and a fore-and-aft sail. It has a Tinier Jigger-mast and a Mizzen mast that leans towards the rudder post of-the ship. The mizzen sail in this case is purposely designed to aid in balancing and trimming the ship on rough waters. The mainsail is large and approaches that of the sloop in size.

    14) The Ketch

    The ketch looked just like the Yawl and hadtwo masts each having a fore-and-aft rig. The difference between the two is that the Ketch had a Mizzen mast placed on the taller mainmast, but at a position in front of the rudder post. The mizzen in this case aided in maneuvering the vessel.

    They were light weighing in at between 100 and 250 tons. The rigs were designed to carry square masts. They were mainly used by the navy to bombard enemy ships.

    15) The Windjammer

    During the late 19th to early 20th Centuries, the Windjammer, another giant sailing ship was crafted for ferrying bulk cargo. It came with three to five square-rigged masts and had a cost effective extended hull that allowed for a larger storage space.

    It was a general class merchant ship, and the largest in its category. They ferried lumber, guano from one continent to the other.

    Environmental concerns and increasing fuel costs soon rendered the ship obsolete and those which ran purely on wind energy were adopted.

    We also have a list of sailing yachts that may be of interest. Some are the most beautiful in the world and the prices for them are astounding.

    Para concluir

    This is not a comprehensive list if sailing ships that have traversed the oceans throughout history there are many more.However, they all share one characteristic in that they were the precursors of the huge ocean liners that Richard was so used to seeing at the harbor.

    There are still some models that are still sailing around the world, although most of them have been rendered museum pieces over the years.


    Conteúdo

    Nao Victoria, one of the most famous carracks, a replica of Magellan's ship

    By the Late Middle Ages the cog, and cog-like square-rigged vessels, were widely used along the coasts of Europe, in the Baltic, and also in the Mediterranean. Given the conditions of the Mediterrenean, but not exclusively restricted to it, galley type vessels were extensively used there, as were various two masted vessels, including the caravels with their lateen sails. These and similar ship types were familiar to Portuguese navigators and shipwrights. As the Portuguese gradually extended their explorations and trade ever further south along Africa's Atlantic coast during the 15th century they needed a larger and more advanced ship for their long oceanic adventures. Gradually, they developed the carrack ΐ] from a fusion and modification of aspects of the ship types they knew operating in both the Atlantic and Mediterranean and a new, more advanced form of sail rigging that allowed much improved sailing characteristics in the heavy winds and waves of the Atlantic ocean.

    A typical three-masted carrack such as the São Gabriel had six sails: bowsprit, foresail, mizzen, spritsail, and two topsails.


    A Carrack Ship by Bruegel - History

    At the beginning of the 15-th century the big seagoing saling-ship had one mast and one sail. Fifty years later she had three masts and five or six sails. Unfortunately this great change comes just at a time when we are very badly off for pictures or descriptions of ships. English inventories of 1410-12 have benn publishedn and these give little light on the first stage of the change, but after that comes darkness. Other inventories of about 1425 are known to exist, but they have been not yet copied and printed.
    The documents of 1410-12 show that one ship in the English Royal Navy - and only one- had more than one mast she had "I mast magn." and "I mast parv." - in other words, one big mast and one small mast. The latter may have been in the top as a topmast. We are not told which, but the reference is very important as being the first evidence of a second mast in Northern waters.
    It must be noted that this small mast was found in a ship called the "carake" and a carrack was by origin a Mediterranean type.
    The name 'carrack' was not new. It occurs in Spanish documents before the end of 13th century, and there is an account of the capture by Spanish galleys in 1359 of a large Venetien carrack but it is in the 15-th century that the carrack was in her prime, and we see her then as a three masted ship developed by the southern nations from the Northern one-master and then taken up all over Europe. Genoa was the chief port.
    Ther were Venetian carracks as well, but usually the wessels from Venice were galleys. designed and equipped for long voyages and cargo-carrying.
    . From the book : A Short History of the Sailing Ship por Romola Anderson , R.C. Anderson

    Elõre közlöm, hogy sok mindenben a 'Flamand karakk' építéséhez fogom hasonlítani a hajó építését, ezért elõre is elnézést kérek.

    Ezt a tervrajzot az oldalon találtam még valamikor. Némi kutatás után kiderült számomra, hogy az eredeti makett a madridi tengerészeti múzeumban található, és a tervrajzot az alapján rajzolták. Eddigi tapasztalataim alapján célszerûnek találtam a tervrajz teljes digitalizálását, nehogy a bordatervekkel, vagy egyéb építési csomóponttal problémába ütközzek. Az eredeti bordatervek digitalizálása során elõ is került az elsõ probléma. Az eredeti rajz tartalmazza az összes bordát, de sajnos nem mérethelyesen, ezért alapvetõen használhatatlannak bizonyultak. A vonalrajz alapján új bordatervet kellett készítenem. A többit képekben


    The age of discovery (1400-1550)

    • small ships for exploration: caravels
      • a shallow draft to chart unknown waters
      • ability to sail to windward (lateen sails)
      • small crew
      • cargo space for voyages of up to a year
      • high platforms at front and back from which to fire at opponents
      • armed with cannons
      • square sails for more sail area
      • large payload

      Caravel

      In 1492 Colombus's used 2 caravels, the Nina and the Pinta, and a larger carrack, the Santa Maria, as his flagship [More].

      Carrack

      Large carracks had ample room for large crews, provisions and cargo required for east Indies trading. Their size and stability allowed mounting of cannons.

      Magellan's Victoria Replica

      Carracks were also used by Vasco de Gama for the first successful trip to India around the Cape of Good Hope. In 1498, de Gama left Portugal with 170 men, 3 carracks and one caravel he returned 22 months later with only 2 ships and 55 men. He had sailed 24,000 miles and spent 300 days at sea [ BBC History ]. For the next 100 years, the Portuguese controled the East India trade, sending a fleet to India almost every year, scheduled to coincide with the monsoons. For more details see our historical page.

      Carracks for exploration like the Santa maria or de Gama's San Gabriel were small, about 90 tons but merchant ships would average 250-500 tons with a crew of 40-80 and some war ships went up to 1000 tons. The average speed was about 80 miles/day and the trip to India took 6 to 8 months each way.

      Wreck of a merchant Nao

      Inside of a ship

        , J.R. Steffy, Ship Lab, Center for Maritime Archeology , A. Wells, Texas A&M , A. Wells Master's thesis (5Mb PDF file)

      The Carrack's Mission

      The Carrack is an artist-centered, volunteer-run, zero-commission art space in downtown Durham, North Carolina that hosts short, rapidly rotating exhibitions, performances, workshops, and community gatherings.

      The Carrack proudly supports the work of creators who are underrepresented in the art world at large, including artists of color queer and trans artists and artists who are emerging, experimenting, or producing temporal and/or site-specific work.

      We believe art is an invaluable asset – a resource for cultivating relationships, strengthening communities, and sparking political change. We seek a reimagined arts ecosystem: one that is accessible and collaborative, one that is unbounded by discipline, age, class, race, ability, gender or other identities.

      All artists and organizers use The Carrack for free and keep 100% of what they make from sales if they choose to sell their work. The Carrack is entirely funded by grassroots donations. Find out how you can support this work here.

      The Carrack does not and shall not discriminate on the basis of race, color, religion (creed), gender, gender expression, age, national origin (ancestry), disability, marital status, sexual orientation, or military status, or any other basis proscribed by law, in any of its activities or operations. These activities include, but are not limited to, hiring and firing of staff, selection of volunteers and vendors, and provision of services. We are committed to providing an inclusive and welcoming environment for all members of our staff, audience, volunteers, subcontractors, vendors, and clients.

      The Carrack is an equal opportunity employer. We will not discriminate and will take affirmative action measures to ensure against discrimination in employment, recruitment, advertisements for employment, compensation, termination, upgrading, promotions, and other conditions of employment against any employee or job applicant on the bases of race, color, gender, national origin, age, religion, creed, disability, veteran’s status, sexual orientation, gender identity or gender expression.

      From the moment The Carrack opened its doors in June 2011, the space has played an essential role in a rejuvenated Durham, North Carolina arts community. To date, The Carrack has exhibited work by over 1000 visual artists and hosted over 150 exhibitions in addition to numerous performing arts events.

      The Carrack was founded by Laura Ritchie and artist John Wendelbo in a second-floor space on Parrish Street. Its objective was to provide exhibition and performance opportunities for local artists as well as a gathering place for community creatives and an incubator for Wendelbo’s Durham Sculpture Project.

      Originally the gallery space was funded by community donations and a successful Kickstarter campaign in late 2011. Throughout 2012, Ritchie and Wendelbo formalized the gallery’s operations, establishing a juried exhibition model and performance calendar. The Carrack also secured nonprofit fiscal sponsorship through Fractured Atlas. In early 2013, Wendelbo relocated to New Mexico and left The Carrack in Ritchie’s hands.

      Ritchie assembled a team of volunteers, advisors, and community stakeholders to expand and redefine the creative vision of The Carrack while moving it toward a sustainable funding model that remains true to its origins: artist-centered, community-run, zero-commission. The Carrack has stabilized its current support through a fundraiser every October and a Carrack Sustainer donor program.

      In June 2016, on The Carrack’s fifth anniversary, the organization relocated to a first-floor space at 947 East Main Street.

      In June 2018, Laura Ritchie departed as The Carrack’s Director, after seven years of dedication, and with The Carrack firmly on its feet, entrusted the project to new Director, Saba Taj.

      Why is The Carrack a zero-commission gallery?

      Perhaps the better question is: What do emerging artists need to become career artists? At The Carrack, we believe that artists need opportunities to express their unique vision with complete creative freedom. They need to be able to determine every aspect of the exhibition of their work, without commercial concerns, in order to take that next step in their career.

      The Carrack provides artists those opportunities through self-curated exhibits and events without the pressure to sell work. A commission model, to some extent, determines the kind of artwork that a gallery can show some work must sell for the gallery to make its commission. By letting artists take complete ownership of their art and its presentation, The Carrack alleviates the need for sales and facilitates direct interaction with the audience.

      The Carrack puts the artist squarely at the epicenter of all of its efforts. The space is yours do something great.

      “The space is yours.” What exactly does this mean?

      Exhibiting artists have full control of all aspects of their exhibitions. Artists receive their own set of keys and design their show as they wish. Our hope is that each artist transforms the space into something that reflects and compliments their body of work.

      The artist has the responsibility to put on a great show. The Carrack’s future depends on the quality of effort that each artist puts into each exhibition. Carrack staff and volunteers are available to help by request, but we do not dictate the show.

      How does The Carrack stay open?

      The Carrack is run 100% on donations from individuals, organizations and businesses. A crowdfunding campaign initially opened the gallery’s doors. Since then, tax-deductible donations have supported The Carrack. The gallery’s present fundraising model has four components:

        : An Annual Fundraiser each October
    • an annual artist-supported fundraiser, for which artists donate small artworks with low, set price points
    • the Carrack Sustainer program, through which supporters pledge a monthly, tax-deductible amount that’s paid via autodraft
    • higher-level sponsorships, both for general operating expenses and in support of specific exhibitions or events
    • Why are Carrack exhibitions only three weeks long?

      We cultivate the expectation of creative urgency by keeping exhibitions short and by programming our calendar densely. As much as is possible, we want the whole run of an exhibition to have the energy of the opening reception. This pace also allows us to provide exhibition opportunities to as many artists as possible.

      Where did the name “The Carrack” come from?

      A carrack was a 15th-century ship. In its time, its fast and sturdy design offered a platform for discovery. Likewise agile and transformative, The Carrack is a platform for artistic exploration from which artists can connect with their community in new ways, discover new routes of expression and chart unique, creative careers.


      Assista o vídeo: Star Citizen: What Vehicles Fit inside of a Carrack? (Agosto 2022).

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